Arvo Pärt. Fratres para violín, cuerdas y percusión (1977-1992)

La música de Pärt busca la unidad, la esencia, signifique eso lo que signifique, en lo que yo llamaría minimalismo místico. Tanto es así que considera que la música no debe estar unida a ningún timbre particular. Por eso a lo largo de los años ha compuesto Fratres para distintas formaciones: la primera versión, de 1977, fue para orquesta de cámara, mientras que esta que propongo, para violín, cuerdas y percusión, es de 1992.

Puestos a hablar de independencia, yo diría que la música es incluso independiente del compositor y que es capaz de trascender sus intenciones. Sea como fuere, este Fratres es de un emoción y una profundidad difícilmente igualables.  

Por cierto: Pärt compuso Fratres siguiendo su propio estilo musical, el Tintinnabuli, término que tiene que ver con el latín Tintinnabulum, que significa 'una campana'. Y es que Pärt se mueve bien en el arcaísmo. Fratres en latín significa 'hermanos', Tintinnabuli significa, de alguna manera, 'campanas', y su desapego del timbre es algo que viene de los viejos tiempos, cuando el autor no se preocupaba demasiado acerca de qué instrumentos iban a interpretar su música. 

Pero dejemos que hable el mismo:

Tintinnabulation es un lugar en el que paseo a veces cuando estoy buscando respuestas -en mi vida, en mi música, en trabajo, en mis horas de oscuridad, cuando tengo la sensación de que todo lo que hay fuera de allí carece de sentido-. Lo complejo y con muchas caras sólo me confunde, y tengo que buscar la unidad. ¿Qué es esta única cosa, y cómo puedo encontrar mi camino hacia ella? rastros de esta única cosa perfecta aparecen en muchas formas, y todo lo que no es importante se va desprendiendo. Tintinnabulation es así… Las tres notas de una tríada son como campanas. Y es por eso que lo llamo tintinnabulation.

Arvo Pärt (Deviolines) 

The highest virtue of music, for me, lies outside of its mere sound. The particular timbre of an instrument is part of the music, but it is not the most important element. If it were, I would be surrendering to the essence of the music. Music must exist of itself … two, three notes … the essence must be there, independent of the instruments. 

Arvo Pärt (UE)

Claude Debussy. Nocturnes (1897-1901)

La modernidad empieza con Debussy. Su música es elegante, sutil, misteriosa. Se le considera el padre del impresionismo musical y buen ejemplo de ello son estos Nocturnos con los que el francés quiso expresar musicalmente sensaciones semejantes a las producidas por las pinturas del también impresionista de James Whistler.

Sea como fuera, con estos Nocturnes Debussy parece susurrarnos al oído un cuento de hadas. 

 

La obra consta de tres movimientos:

1. Nuages (nubes).
2. Fêtes (fiestas).
3. Sirènes (sirenas).

Debussy nos explica su obra. 

Nocturno en azul y oro, James Whistler

Le titre de Nocturnes veut prendre ici un sens plus général et surtout plus décoratif. Il ne s'agit donc pas de la forme habituelle de Nocturne, mais de tout ce que ce mot contient d'impressions et de lumières spéciales. 

Nuages: c’est l’aspect immuable du ciel avec la marche lente et mélancolique des nuages finissant dans une agonie grise, doucement teintée de blanc.

Fêtes: c’est le mouvement, le rythme dansant de l’atmosphère avec des éclats de lumière brusque, c’est aussi l’épisode d’un cortège (vision éblouissante et chimérique) passant à travers la fête, se confondant avec elle, mais le fond reste, s’obstine, et c’est toujours la fête et son mélange de musique, de poussière lumineuse participant au rythme total. 

Sirènes: c’est la mer et son rythme innombrable, puis, parmi les vagues argentées de lune, s’entend, rit et passe le chant mystérieux des Sirènes.

Claude Debussy.

Manuel Castillo. Concierto para piano n.º 1 (1958)

Este concierto, sin ser vanguardista, suena moderno y, teniendo toques nacionalistas, no cae en el españolismo de pandereta, lo cual es de agradecer.   

Castillo fue alumno en París de Nadia Boulanger. Eso explica que la influencia de Stravinsky recuerde a veces a otro alumno de Boulanger: Copland.   

Vibrante, misterioso, lírico, con un diálogo entre piano y orquesta realmente conseguido, se trata de un concierto muy recomendable.  

Los movimientos del concierto son: 

I Allegretto 

II Lento, ma non troppo 

III Allegretto, deciso

Igor Stravinsky. Les noces (1914-1923)

Stravinsky describió su obra Les noces (Las bodas en castellano) como "Escenas coreografiadas con música y voces". Aunque empezó a componerla en 1914 diversas vicisitudes hicieron que no se estrenara por Los ballets rusos de Diaghilev hasta 1923. Durante ese tiempo cambio varas veces la orquestación: quinteto, orquesta sinfónica... Hasta pensó en una versión con pianolas. 

La definitiva sería la de esta versión que propongo: cuatro percusionistas, cuatro pianos, coro mixto y solistas. Si la aparición de cuatro pianos es llamativa, lo es aun más si tenemos en cuenta que forman parte de la percusión, es decir, que solo deben ser golpeados.  

Lo que Stravisnky buscaba con esta plantilla instrumental es alcanza la pureza primitiva de La consagración. Aunque el libreto se basa en cantos de bodas rusos, podríamos creer que nos encontramos ante ritos ancestrales recuperados de la noche de los tiempos.

   

El dibujo que aparece en 5:45 es de la maravillosa Natalia Goncharova, quien fue la encargada de la escenografía en el estreno de la obra. El otro dibujo que aparece más tarde no lo sé. 

Los cuadros del ballet son: 

Parte 1 

1. La tresse (Las trenzas) 

2. Chez le marié (La casa del novio) 

3. Le Départ de la mariée (La partida de la novia) 

Parte 2 

4. Le Repas de noces (La fiesta de bodas)

Bohuslav Martinů. Polní mše (1939)

En 1938 Martinů compuso su extraordinario Doble concierto para dos orquestas de cuerda, piano y timbales para expresar la preocupación que sentía acerca de cómo andaban las cosas en Europa. Un año después su preocupación se había hecho realidad y soldados checos estaban luchando en el frente francés. Para estos compuso esta cantata escrita en checo con la idea de que fuese interpretada en el campo de batalla. Sin embargo, eso nunca pasó al caer Francia ante el avance nazi. La obra fue interpretada por primera vez una vez terminada la guerra.   

Así habló Martinů de su obra en 1939:

"I must admit, this is actually not a mass at all, it is more a kind of prayer for the native country and about the sense of longing for it, which I have conveyed in music for us all, and as we have no cathedral nor any church or anything to use instead, we met in the field, like workers, soldiers, in the field where everywhere, above us, around us, there is a wide space, where people understand each other better, where they are more human than anywhere else. It is a prayer for male voices, accompanied by trumpets and drums, military signals and a march of the drums, but despite that it is peaceful, full of hope and belief in the future."

Fuente: [t]akte